タイトル一覧
1.歌唱力をつける耳と歌づくり（複数トレーナーの同曲アドバイス）
2.アーティスト論
3.おすすめアーティスト・作品（投稿による）
4.プロのアーティスト論
5.スタンダード曲 同曲異唱での学び方［同曲異見］
6.カンツォーネの歌い方
7.日本の名曲の歌唱ポイント
8.コンコーネ50での学び方［同曲異見］
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V067「悲しき愛のテーマ」ピノ・ドナッジオ
1.歌詞と曲と演奏など
（ことば、ストーリー、ドラマ、情景描写、構成、展開、メロディ、リズム、演奏、アレンジなど）
2.歌手のこと
（声、オリジナリティ、感じたこと、伝えたいこと）
3.歌い方、練習へのアドバイス
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1.楽譜上では、前奏は、始まりのフレーズの出だしをなぞっているので、その点では歌いやすい曲ですが、全体的に3連符が多用されているだけでなく、その種類もひとつではないのが、この曲の難しいところです。2/2拍子で書かれていますが、12/8拍子で書かれていれば、まだわかりやすいのではと思います。始まりの7小節のフレーズの、3小節目までは、8分音符の3連符ですが、4小節目の1拍目は、8分音符と4分音符と8分音符で、2拍目は4分音符の3連符です。このきれいな歌い分けをして欲しいものです。この7小節のフレーズが2回くりかえされた後は、8分音符の3連符の中に、16分音符が頻繫に登場し、6連符になる部分もあります。それでも、数種類のパターンしかないので、慣れてしまえばそれほど大変ではありません。むしろ、最初のフレーズの4小節目の1拍目と2拍目の歌い分けの方が、難しいかもしれません。
2.ピノ・ドナッジオは、クラシックのヴァイオリニスト出身ということもあり、この曲は彼の作詞作曲ですが自由に歌っています。
3.まず始めは、楽譜どおりの演奏を心がけてみましょう。低い第6音から高い主音(♭が付いているので半音低いですが)までの、1オクターブ半に近い音域なので、キー設定も重要です。（♭Ξ）
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1.歌詞はイタリア語で、邦題に「悲しき愛のテーマ」とあるように、別れてもなお”一緒に過ごした日々を忘れないで”と、別れた恋人への想いを歌った曲です。出だしはIo ti ringrazio perche' te ne vaiというフレーズの間に休符が4ヶ所もありますが、途切れ途切れに聞こえないように、ぜひフレーズ感を持って歌い出したいです。
2.ドナッジオの歌い方は、歌詞のときとラララで歌うときの声が違ったのが気になりました。ラララの方はやや子供っぽい声に感じたのですが、それまでの歌詞の内容に沿わない声だったように個人的には感じました。もし意図的に出した声だとしたら、それとはまた違う表現をぜひ聞いてみたいと思いました。
3.曲の始めの方は短いフレーズが続きますが、息の流れが滞ると長いフレーズがきたときに歌いにくくなってしまいます。例えば休符をいったん外して、Io ti ringrazio、 perche' che te ne vai、 hai capito che nostro amore、e' finito come tanti、でそれぞれをひとつのフレーズとして歌ってみると息の流れがつかみやすくなります。その練習の後で休符を戻して歌うとよりフレーズ感が出てきます。（♯α）
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1.端的に言えば「失恋ソング」です。ですが、ただ別れて終わりではなく、「去ってくれてありがとう」といいながらも、「どこへ行っても忘れないで」とどこかに未練があるような詞が続くところがいかにもラテン的な愛と失恋という感じがしますね。
2.ドナッジオの歌い方は、「言葉の語り」を活かして表現を活かしているように思います。もともとヴァイオリニストであるという経歴から、楽譜を読む力やソルフェージュ能力はかなり高いと推察されます。音程は正確に聞こえます。
3.普通に歌うだけでは、この曲のもつニュアンスが活かしきれなくなってしまうと思いますので、最初は歌詞を語る訓練を繰り返し行うとよいと思います。歌詞の内容と表現が結びついた状態でセリフのように語れる状態までもっていくと、その後、歌ったときに表現のニュアンスが活かしやすくなっていくように思います。物悲しく語る部分も、情熱的に語る部分も、日本人よろしく湿っぽくなりすぎず、ラテンの香りの語り方ができると理想的だと思います。湿っぽくなりすぎるとストーカーの歌に聞こえてしまいます。（♭Я）
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1.恋人が去っていった情景を悲しく、名残惜しく歌います。ハミングやラララのボカリーゼが特徴的に挿入されています。転調も独特でGminor で始まった冒頭のメロディはBmajorでさびを迎えます。普通Gminor からB♭majorに移調するのがよくあるパターンで、スムーズなのですが、とてもイレギュラーな転調が行われています。そしてBmajor から2小節かけて半音ずつ基音が上昇して橋渡しをしてG minorに戻ります。
2.ビブラートの少ないまっすぐの声、明るいテノールの声だと思います。音と音の間にあまり抑揚や陰影をつくらず、まっすぐ歌っている印象です。
3.この声の出し方をまねするといいと思います。基礎を学ぶ際にこのように、明るく、まっすぐ声を出すというのは変な癖がつかずにとても基礎的な声づくりの役に立つと思います。この歌手は、音を身体でしっかり支えて、音のぶれを防いで声を運んでいます。この出し方をまねしてみましょう。（♯β）
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1.冒頭のもの悲しいピアノに引き込まれます。センチメンタルに子供のことを回想してしまうような、懐かしい感じのする音楽です。おそらく失恋の歌だと思うのですが、最後は明るく「ラララ」とうたって終わります。伴奏もすぐに陽気なリズムが加わってきます。感情の幅が広い曲です。
2.ドナッジオの声は細くて軽やかですが、どこか芯があり、聞く人の記憶に静かに寄り添います。押しつけがましさがなく、飾り気もないけれど、そこにしかない真実味がありました。技術ではなく、人柄や人生がそのまま歌になっているように感じます。
3.最後の「ラララ」は思いっきり歌ってみましょう。恥ずかしさを感じてはいけません。頭を空っぽにして、笑顔で全力で「ラララ」を歌うこと。それが、「何があっても明るく生きていく」というエネルギーになります。感動を呼ぶのは、声の大きさではなく、心の姿勢です。（♭∴）
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1.終わった恋愛。最後にかける言葉と余韻。結局、一番伝えたい想いを表すに足る言葉は見つからず、「ラララ」というスキャットになる。「ラララ」は力強くも哀愁に満ちた、しかしどことなく投げやりな雰囲気もある印象深いメロディ。
ゆったりとした2拍子は3連符で刻まれ、淡々と音楽を運んでいく。
2.ドナッジオの歌い方（というより「語り口」と表現した方がしっくりきます）には、「歌を歌っています」という気負いや力みがありません。ごく自然に話した言葉に音程がついたり、伸び縮みしたり、それがそのまま音楽になっているように聞こえます。高音も非常に自然体です。歌がうますぎて、うまく歌っているように聞こえない歌手だと感じます。
3.悲しみも喜びも過ぎ去ったものです。そういった感情を生々しく扱わず、一歩引いて俯瞰した場所で歌ってみましょう。
長調に転じるPero ricordaのあたりから盛り上げたくなると思いますが、まだパワー全開にはせず60％ぐらいに抑えておき、一番いい声は「ラララ」のために取っておいてください。（♯∂）
おすすめアーティスト・作品 No.409
「the Covers」（TV）
名曲と言われる曲をそれぞれのアーティストがカバーする番組。自分の歌ではない歌をどうやって表現するのかを観るといろいろな気づきがあります。
「オールスター」（TV）
オールスターの第一戦をTV視聴しました。野球が好きな情熱が、選手の表情や全身から滲み出ているのが画面からもわかり、プロ野球界の中でも特に選ばれる選手には、何があるのかの学びになりました。ホームランパフォーマンスの揃い方も、練習しているわけでもないと思うのですがダンスチームをみているような感覚でした。身体の能力の凄さを改めて知りました。また、試合中にマイクをつけてインタビューするなど、エンタメとしても工夫がされており、楽しませることと、結果を出すことの両方を求められ、厳しい世界にいることを辛いと思わず、もちろん影では努力をしているのだと思いますが、その環境を楽しめる人が活躍できるのだと学びました。
「ジュリー＆ジュリア」（映画）
20代のころに栗原はるみさんを知ってから、こんな老後になるといいなぁと思ってコツコツと準備してきました（料理研究家になりたいわけではありませんが）。この映画も結婚している2人の女性の実話で、まさに私が目指している形そのものの成功例を作品にしたものでした。とっても参考になり嬉しくなりました。それにしてもメリル・ストリープさんは、このテンションの高さで声を出し続けて演技をされているのも楽しかったです。また、非常に背も座高も高くて大柄な女性だったということに、この作品で初めて気が付きました。和田アキ子さんは大柄だったので嫌な思いをされて女優が難しく、歌手になったと言われていたので、人それぞれですね。
「お坊さんのお経」
普通の会話の時と、読経の時の声が大きく違います。
読経の時の声の艶はどのようにしてだしているのでしょうか。
また、とてもよく響き、広がる声です。お坊さんはその声を練習によって習得するのでしょうか。疑問が次々に湧いてきて、お経を集中して聞いてしまいました。
「ハリー杉山さん」
フジロックの配信を視聴した際に、インタビューの司会などをされていました。インタビューするアーティストの音楽を聞き込んでいること、過去のフジロックに関しても言及し、英語でのインタビューもし、通訳の方との連携もスムーズで、落ち着きすぎず明るすぎず、心地よい声や表情で学ぶことがたくさんありました。
肖像画を描く画家として生計をたてている主人公は妻から離婚を言い渡され、友人の父のアトリエに1人住むことになった。そこで「騎士団長殺し」という絵を発見してから不思議な人たちと出会い、不思議なことに巻き込まれていく物語です。これまでのこの作者の小説同様現実と夢の世界が交錯したり、歴史的な大事件との関わりがあったりと面白いだけでなく、奥が深い小説です。
「騎士団長殺し 遷ろうメタファー編」（本）
「顕れるイデア編」に続く後編。妻から離婚を言い渡された主人公がもとの平穏な生活に戻るまでの激動の9ヶ月間の話です。様々な不思議な試練や悪と正面から対峙しながら進む主人公。本の内容はとても奥深く一回読んだだけでは理解できない部分が多い小説です。現実の世界でも戦争など様々な悪がありますが、自分はどう向き合うべきか、考えさせられる内容でした。
「ギリシャ語の時間」ハン・ガン（本）
声にとって、感性を磨くことはとても大切です。ぜひ優れた小説を読んで、感性を磨いてください。今回お勧めする小説は、韓国の作家ハン・ガンによる「ギリシャ語の時間」です。
声を失った女性と、視力を失いつつある古典ギリシャ語教師との静かな交流が描かれます。語ること、聞くことが不可能になりつつある二人が、死語となった古代語を通して、言葉の根源、沈黙の意味、そして存在そのものに触れていく姿が印象的です。
感情を直接表現しない文体の中に、痛みや優しさがにじみ、読み手の内側に静かに響いてきます。言葉が奪われた者たちが、それでもなお言葉を求める——その姿は、声を使う私たちにも大きな示唆を与えてくれます。
訳文も簡素で美しいです。音読の練習としてもぜひ使ってみてください。
V066「忘れな草（デ・クルティス）」 ベニャミーノ・ジーリ
1.歌詞と曲と演奏など
（ことば、ストーリー、ドラマ、情景描写、構成、展開、メロディ、リズム、演奏、アレンジなど）
2.歌手のこと
（声、オリジナリティ、感じたこと、伝えたいこと）
3.歌い方、練習へのアドバイス
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1.同主調の短調から始まり、Ritornelloは長調に転調する曲です。
低い第5音から高い主音までの1オクターブ半の曲ですが、低い第5音もわりとしっかり声を出さなければならず、最高音の高い主音は、曲の最後にロングトーンで強く伸ばさなければならないので、2オクターブ程度の音域の中で、無理のないところに納めなければ、歌いにくい曲です。
2.かつて、パバロッティ、ドミンゴ、カレラスが、三大テノールと呼ばれ、もてはやされていました。学生の我々は、三大テノールもそれほど悪くはないけれど、もうひと昔前の伝説のマリオ・デル・モナコや、ステファノ、コレルリを、目標にしており、ジーリは弱々しい声のイメージで、イマイチという感じでした。今回、改めて聞いてみると、意外にしっかりとした声で、むしろ堂々とした発声で、当時はジーリの女々しい感じの曲ばかりが注目されていたようです。
3.音域の広い曲なので、特に男性は微妙なキー設定が必要でしょう。曲の最後の最高音のロングトーンを、無理なくしっかり出せるようにして、最低音もそこそこ使える音にしなければなりませんが、まずは最高音を余裕を持って出せるキーで、練習していきましょう。（♭Ξ）
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1.歌詞はイタリア語で、ツバメが去っていく描写に恋人を重ねて、私の元を去ってもあなたを愛し続ける、といった内容の歌詞です。短調で始まる前半では情景描写を、ト長調に転調した後半では立ち去った恋人への想いを歌っています。
2.この曲はカンツォーネですが、テノール歌手であるジーリの声とその歌唱力で、まるでオペラのアリアを聞いているような錯覚を抱きます。高音で母音エを伸ばすのは意外と大変なのですが、顎が下りて良く喉が開いている声であること、力強い歌唱でも喉の力みはない、とても聞きやすい歌声だと感じました。
3.ト長調に転調してから、”～di me”や”～a te”という発音によってフレーズ末尾で母音エを伸ばす場面が多くあります。顎が力むと声が進みにくくなるので、顎の力みが入る前に、拍頭ですぐに顎を下ろす（顎を緩める）ことがポイントです。
前半の”La mia piccola rondine～”はrit.しながら高音に向かい、後半の”C'è sempre un nido～”は高音でフェルマータがあるので、どちらもしっかりとした身体の踏ん張りが必要です。身体の横で手首を思い切り振りながら歌うと、自ずと踏ん張りが発動し、喉まわりや上半身の力みも解消します。（♯α）
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1.とても有名な曲のひとつといってもよいでしょう。
原語のタイトル「Non ti scordar di me」を直訳すると、「私を忘れないで」という意味になります。
「勿忘草」にはとある伝説が元になっていると言われています。中世のドイツでのお話です。
騎士ルドルフが恋人のベルタに捧げるために、ドナウ川の岸辺に咲く花を摘もうと岸を降りたものの、足を滑らせて川へ飲み込まれてしまいます。ルドルフは最後の力を振り絞って手に持っていた花を岸辺に投げると共に「私のことを忘れないで」という言葉を残して水中へ消えてしまいました。
ベルタは、彼の残した言葉を元に、この花に「勿忘草」と名づけたというお話です。
2.戦前を代表するテノールの中でも人気のある一人だと思います。
語るように歌うのが上手に聞こえます。フォームを崩さず言葉の連続が巧みに行われているような印象です。結果的にとても美しくレガートに聞こえているのだと思います。
そして、「U」の発音がとても美しい印象を受けます。
3.全般的にレガートに語るところから始めてみると良いでしょう。口形の変化を最小限に抑えるという意味では、ジーリから学ぶことはたくさんあるのではないかと思います。ただし、音のずり上げずり下げは無意識に多用しすぎず、できる限り清潔に歌うことを土台とした方がよいかと思います。（♭Я）
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1.A、サビ、サビ前半の間奏、サビの後半から歌入り、高音で伸ばして終わるという構成です。
2.身体をしっかり使った歌い方で、アクセントを身体と息の鋭さで歌い上げているのが特徴です。
母音の繋がりが滑らかであるがゆえに、各母音が明確に聞こえないときもあります。泣きを入れたような表現で歌詞を表しています。声は単にブライトな（chiaro）明るさだけではない暗さも（scuro）併せ持つイタリア的なすばらしいテノールの声だと思います。
3.この歌手の音符の揺らぎ、動かし方、伸ばし方を研究されるといいと思います。どの言葉のときに伸びているのか、どのように揺らいでいるかをまねしてみましょう。partironoの「pa」 や、rondiniの「ro」の伸びをよく聞いてみてください。全体的にすべての音節が止まらないように歌いましょう。（♯β）
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1.時代を感じさせるアンニュイな前奏に引き込まれます。「忘れな草」という題にふさわしく、冒頭から漂う懐かしさとほのかな翳りが魅力的です。
2.出だしから力強く、統一されたオペラ的な美声が響きます。ジーリの声には揺るぎのない芯があり、「Non ti scordar di me」の甘い語りかけとのギャップが非常に印象的です。
3.出だしの一声を重点的に練習してみてください。身体全身体で響いているか、響きに芯が通っているかをていねいにチェックすると、歌の全体像も自然と整ってきます。
（♭∴）
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1.原題「Non ti scordar di me」は直訳すると「私を忘れないで」という意味で、なおかつ植物のワスレナグサを指す名詞でもあります。文章がそのまま花の名前になっているのは不思議な感じがしますが、これはイタリア語に限らないことで、ヨーロッパの各言語でワスレナグサは同じような言い回しで呼ばれています。
去っていった恋人への思いを歌う内容ですが、恋人は「ツバメ」という言葉で表されています。歌詞にはこのような隠喩がたくさん散りばめられており、だからこそ誰の心にも響くような普遍的な歌となっています。
短調で始まる音楽の中に時折日が差すように長調の和音が挟まり、その後同主の長調へ転調してからは、陰りを見せるような短調の和音が混ざります。この狭間を行き来するような構成は、見事な色合いを見せる織物のようです。
2.ジーリはリッチで強靭な声を極めて柔らかく使っています。猛禽の羽毛が如き稀有の声です。すごすぎてまねできません。そういう意味で、参考にならない歌手の一人だと考えます。また、「泣き」の表現が絶品だと感じます。
3.前半の短調の部分はあまり悲壮感を出さず流れるように、後半の長調の部分で泣くという、一見逆に思える表現をするのがおすすめです。この曲の独特の陰影が生きてくると思います。（♯∂）
おすすめアーティスト・作品 No.408
「エリッククラプトンのドキュメンタリー NOTHING BUT THE BLUES」
ブルース初期の映像がとてもよかったです。
ブルースとジャズのつながりを再確認。
なんと壮厳な事か。まず声がものすごい濃縮されたかなりの密度を感じるし、もし神が声を持つならきっとこういう声をしているのではないかと思うぐらいに神々しい。これは大げさではなく本当にそう感じる、この感じは2回目だ。まるで、大きな礼拝堂教会、よくわからないが、マリア像なんかがあり、ステンドグラスにかこまれた大きな建物が背景として浮かびあがってくる。リコルダを初めて聞いた時も同じような感覚だった。もはや人に対してではなく、もっと大きな何か、生とか死とか神とか大地とか宗教的なものとかに対して心や、その体感の中で声が発しられているようだ。ピアフ独特の巻き舌や、豚鼻、地声、ファルセットの手前、おもいっきり頭声などがフレーズの途中で区切れとして変化するのではなくたえずそれらがミックスされた状態でものすごい濃度で発しられているようだ。
深夜12時ごろから翌朝7時ごろまでの短い間の話です。正反対の性格の2人の姉妹の視点から交互にかかれています。たった7時間なのに何日間かのことかと錯覚してしまうほど濃密な内容。現実と夢の世界が交錯するような不思議な話です。最後のこの2人の姉妹の様子を見て、もしかするとこの2人は表と裏、光と影なのではないかと思ってしまいました。
自分の居場所がないと感じ家を出た15歳の少年カフカと猫と話せるが読み書きができない60歳のナカタさんの2人を軸に進む物語。夢か現実かわからない世界での出来事や外の世界と遮断された町があらわれたりと、この作家の他の作品を思わせるような展開がありますが、一見関係無いような2人がだんだん重なってくる展開に引き込まれました。日本の社会で普通でないと思われている人、挫折や喪失を味わった人々が自分の場所を見つけ自分らしく生きていくことの大切さを感じました。
「細田高広さん」（世界的クリエイティブディレクター）
YouTubeでの、話し方を観て、言葉の選び方や、丁寧さ、相手が話すときは声を出さずに、顔を動かして大きく頷くなど、コミュニケーションの参考になります。
「ラムセス大王展」（展覧会）
エジプトの最も偉大な王の1人と言われているラムセス2世を中心とした展示でした。精巧な壁画を施した神殿、棺、豪華な宝飾品、きちんと保存されたミイラなど3000年前にこんな技術があったのかと驚くばかりでした。一方で周辺国と領土争いをし、自分/*ｈｊの権力を誇示することは古代から現代に至るまで変わらないのだなあ、と感じました。
V065「あなたに口づけを」 フェルッチョ・タリアヴィーニ
1.歌詞と曲と演奏など
（ことば、ストーリー、ドラマ、情景描写、構成、展開、メロディ、リズム、演奏、アレンジなど）
2.歌手のこと
（声、オリジナリティ、感じたこと、伝えたいこと）
3.歌い方、練習へのアドバイス
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1.同主調の短調から長調に転調する曲です。低い第5音から高い主音まで(装飾音としては高い第2音まで)の、1オクターブ半の少し音域の広い曲で、最後は高い主音のロングトーンでおわります。6/8拍子なので、Andantinoというテンポのためもあり、少し優しい雰囲気になります。8個の短調のフレーズは、どれも1小節目は同じ音の繰り返しで2小節目は装飾音を含めた細かい音符の後に7拍のロングトーンが続きます。最後の8フレーズ目だけは、第5音を3回繰り返した後は、第4、2、3音の後、同様に細かい音符の後にロングトーンの主音で、同主調の長調に転調します。
転調した後は、第5音の連続から順次進行で高い主音の装飾音の後第6音のロングトーンという高音域のフレーズを2回繰り返し、5フレーズ目には、高い主音の3連続から、順次進行で第4音まで、2フレーズを使って下りてきます。曲の最後まで、8割は順次進行で歌われているので、とても美しいフレーズで溢れています。
2.フェルッチョ・タリアヴィーニは、有名なイタリアのオペラ歌手なので、全く無理のない余裕のある声で歌っています。テノール歌手なので、あと1～2音高いキーで歌い上げても、よいのではないかと思わせます。これが、パバロッティなら、3～4音は高いキーで、オペラアリアのようにドラマティックな表現にしているでしょう。
3.音域が狭くないので、しっかりキーの設定をして取り組みましょう。曲の最後のロングトーンは、充分に余裕のある表現ができないといけないので、高過ぎるキーは厳禁です。（♭Ξ）
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1.このカンツォーネは歌詞がナポリ語で歌われています。内容は恋する女性への心情を綴ったもので、男性の溢れんばかりの気持ちが表現されています。歌い出しから前半はヘ短調で彼女の描写や男性の心の揺れ動きを歌い、後半からヘ長調に転調するとやや音域も上がり、口づけをしたい、そばで眠りたい、と彼女へのストレートな想いを歌い上げます。
2.タリアヴィーニはテノールとして美声の持ち主であり、歌い出しからカンツォーネというよりは、オペラのアリアを聞いているかのような印象を受けます。情熱的な歌詞の内容からすると、彼のダイナミックな言葉の運びが表現としてもマッチしていて聞きごたえがあります。
3.一般的な楽譜と見比べると、タリアヴィーニの歌唱は装飾音符のつけ方が少し違いますが（6小節や8小節など）、まねをして歌ってみるのはよいと思います。全体的にシンプルな旋律で、たとえば歌い出しの1小節は同じ音だけを歌っています。ただ同じ音を並べるような歌い方にならずに、いかに魅力的に歌うかという部分においてはタリアヴィーニの歌唱はとても参考になります。（♯α）
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1.オーソレミオと同じ作曲家で、カンツォーネに属する楽曲ではありますが、クラシックの歌曲とさほど差がないぐらいクラシカルなメロディ、構成の曲だと思いました。1番、2番で構成されています。2番の後半8小節が伴奏のみになり、その後歌が入って、ラストの高音をフォルテで歌い上げるという構成です。
2.声を張り上げて美声を強調するという歌い方ではなく、曲の内容を切々としっとりと歌い上げています。声を張るときもあれば、弱々しく表現するときもあります。1番の最後の高音はピアニッシモで歌っていますが、それに対し2番の最後はしっかり張って声を出し、ディミヌエンドできれいに終わります。
3. 声がただまっすぐに伸びているのではなく、次のフレーズに向かってフレーズが前に進んだり、ゆっくりになったりしていることに着目して練習してみましょう。棒歌いにならないように気をつけましょう。（♯β）
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1.曲のタイトルを直訳すると「あなたにキスをしたい」となります。愛する人と共に寝ていて、自分が先に目覚めたのでしょうか。さわやかな朝を迎えた中で、まだ寝ている相手に対して「キスをしたい」と思うけれど勇気が出ない。なのでもう1時間一緒に寝たい、と幸せに満ちた内容が歌われています。
2.タリアヴィーニの持つ声は非常に甘美でとても定評があります。また、子音の扱い方がとても上手で発音がとてもクリアであり、レガートもとても美しく聞こえます。
歌い方が清潔でありながら曲の持つ甘美さを上手に表現している印象です。
3.タリアヴィーニの歌い方からさまざまなことを学ぶことができると思います。よい意味で滑舌がよいが決してしゃべりすぎない。口形の変化を最小限に抑えつつ子音を明確に発音することや、音を保てる子音ではポジションがぶれない。それゆえに母音や子音の連結がうまく行えるようになり、レガートが美しく聞こえ、ひびきも一定の状態をキープできているということがあげられると思います。このテクニックを駆使したうえで甘美に語るように、歌い手の語り方によって歌うことができると美しく聞こえるように歌えるのではないかと思います。（♭Я）
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1.曲の内容は実に直球で、タイトルの通りです。日本人の感覚からすると、こういった直球のものに触れる機会は少ないかもしれませんが、こういったところがイタリア的でカンツォーネらしい曲のように思います。音楽も曲の内容にふさわしく甘美にロマンチックに書かれています。
2.メロディックなので比較的歌いやすいのではないかと思います。音楽の持つ甘美さやロマンチックさを活かしながら歌えると演奏効果が高くなってよいと思います。そのためには、発音・発語を工夫した言葉の滑らかさを活かして、レガートに歌える状態になると理想的だと思います。
3.前半の部分は歌い上げることよりも甘美に語るニュアンスを活かして歌えるとよいのではないかと思います。語り方が内容にふさわしくなるとそれで音楽が成立するように思います。「I'm me vurrià addurmì」からは特にこの曲の山場だと思いますので、たっぷり歌うとよいのではないでしょうか。甘く語るところは甘く語り、しっかり歌いこむところは甘美さを伴いながらしっかりと歌いこむことができると、この曲のよさを活かしやすくなっていくのではないかと思います。（♭И）
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1.まるで一篇の短編映画を観ているかのような音楽体験でした。冒頭は繊細で甘美なメロディが漂い、リズムはゆるやかに情景を描き出します。異国情緒にあふれています。愛を打ち明ける瞬間の緊張と高揚が、曲の中盤で一気に盛り上がり、テンポも語り口も熱を帯びていきます。オリジナルのイタリア語の韻律が、感情を直接ひびかせるような力を持っています。
2.タリアヴィーニの声はまろやかで、芯がありながら決して押しつけがましくないです。ふわっとした心地よい声で低音も優しく包み込むようにひびきます。一方でサビでの力強いシャウトは情熱的に耳に残ります。息のコントロール、言葉の緩急、そして高音への滑らかな跳躍に彼の高度な技術が光ります。彼が「語るように歌い、歌うように語る」名手であることがよくわかります。
3.歌い方のポイントとして、最初の一声から「息とともに語る」意識が重要です。音を張るのでなく、柔らかく投げる。中盤以降の盛り上がりでは、身体をしっかり使って共鳴を感じながら大胆に歌ってみましょう。最初と最後の静かな部分との対比が際立つほど、この曲の美しさが引き立ちます。（♭∴）
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1.カンツォーネ・ナポレターナの名曲。前半は短調、後半は長調で甘く恋心を歌っています。眠る女性を見つめ、口づけを熱望しながらも実行できずにいるというシチュエーション。8分の6拍子で、舟歌のように心地よく揺れ動きます。オーケストラはカンツォーネには珍しい木管楽器群と、ハープやマンドリンが印象的に使用された香り高い仕上がりです。
2.タリアヴィーニの歌声は甘美そのもの。リッチな声質のテノールであるものの、必要以上にはひけらかさないあたり、非常に知的で上品だと感じます。余白のある歌とでもいいましょうか、美声を垂れ流すだけのテノールとは一線を画す歌唱です。
常にマスケラから外れず、力強い部分も力ずくではなく、余裕があります。細く歌っている結果がこのように豊かな音楽になっていることは驚嘆に値します。
3.眠り姫を起こさぬよう、静かな内にも情熱を秘めた表現で歌っていただきたい曲です。力いっぱい歌うのも悪くないとは思いますが、この曲に関しては、下品にならないギリギリのところを見極める必要がありそうです。（♯∂）
おすすめアーティスト・作品 No.407
「来し方行く末」（映画）
脚本家になる夢がかなわず、弔辞の代筆業を営む青年の物語です。主人公は弔辞を書くために、故人について故人の周りの人たちから話を聞くうちに自分の人生についていろいろ考えて成長していきます。激しさや派手さはなく、淡々と時間が流れていくなかで、どんな人にもその人だけの人生があると感じさせられる映画でした。
「名探偵コナン劇場版 黒鉄の魚影」（映画）
効果音と声優さんの声に着目して観てみると、アニメーションの動きと不自然な句、世界観やドラマティックな場面にも合わせた声で、どれだけの技術を使っているのだろうと関心があります。
「リンスリピート」（劇）
照明や装飾がほとんど施されないで、人間のぶつかり合いだけに主眼を置いた劇でした。寺島しのぶさんや、松尾貴史さんなどのアフタートークもあったので、セリフでないときの声を間近に聞くことができて参考になりました。
実際の舞台の仕掛けを自分の目で確かめたくて劇場を訪れました。四季劇場が新しくなり、レストランまで運営されていたことに驚きました。これまで見た四季の劇の中では、一番、現代風な装飾や演出をされているものに感じました。内容も現代女性が共感するものに寄せているので惹かれるものがありました。
「街とその不確かな壁 一部」村上春樹（本）
かなり前の作品「世界の終わりとハードボイルドワンダーランド」の「世界の終わり」の続編のような物語です。キーワードは壁。壁が何を象徴しているのか？そして影。普段影の存在など意識しないのですが、この物語では重要な役割を果たしています。街の内と外とを隔てる壁、人間の本体と影がどういう関係なのか、非常に興味深いです。
「恋するハンバーグ」山口恵以子（本）
昭和の下町の洋食屋の夫婦と2人を取り巻く人々の心あたたまるお話です。この夫婦の周りの人を思いやる心と行動が素晴らしいのですが、料理人としての誇りを持ち、ささいなことにも決して手を抜かない店主の仕事に対する姿勢があってこそだと思いました。
「50歳からのごきげんひとり旅」山脇りこ（本）
いつも旅行は家族か友だちと行き、ホテルや店選びも人にお任せですが、そろそろひとり旅に挑戦してみようかと手にとった本です。ホテルやお店が実名で紹介されているので参考になります。特に法隆寺ツアーや大阪の街歩きは行ってみたくなりました。そしてGoogleマップを使いこなせるようにしたいと思います。
「野球中継の実況」
配信アプリのおかげで、毎日何試合も観ることができます。実況アナウンサーの、言葉のチョイスや、状況や雰囲気を伝える力、映像に合わせたテンポ、試合前から試合後までの長時間の集中力と、学ぶことがたくさんあります。
「canva」（アプリ）
直感的にデザインを楽しめるので重宝しています。今後、発信していくことにも使えるといいと思います。
V064「青空に住もう」 クラウディオ・ビルラ
1.歌詞と曲と演奏など
（ことば、ストーリー、ドラマ、情景描写、構成、展開、メロディ、リズム、演奏、アレンジなど）
2.歌手のこと
（声、オリジナリティ、感じたこと、伝えたいこと）
3.歌い方、練習へのアドバイス
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1.低い第5音から高い第2音までの、1オクターブ半以上の少し広い音域の曲です。どのフレーズも、4/4拍子の4拍目から始まり、2番の後半からは4拍の裏から始まります。メロディの始まりの第3音からの6度下の第5音への跳躍の後の、臨時記号で半音下げられた第6音への流れが、特徴的な進行の曲です。2つ目のフレーズからは3連符で始まるフレーズが続くのも、特徴的です。また、2番の終わりには、初めて高い主音が出てくるだけでなく、高い主音のロングトーンが2回出た後には、4拍目の裏拍から5個連続の8分音符から始まる3個のフレーズで、この曲の最高音の高い第2音が出ます。もう一度、高い主音のロングトーンと5連続の8分音符のフレーズ群を繰り返すと、この曲では2番目に長い5拍のロングトーンで、高い第2音が伸ばされます。さらに3番と4番の後の曲の最後には、高い主音の7拍ものロングトーンが2回繰り返され、3回目には12拍ものロングトーンが、フェルマータを伴って、これでもかと長いものになります。（水星社 カンツォーネ・ベスト・アルバム1の楽譜による）
2.クラウディオ・ビルラは、曲の始まりの中低音域は艶のある優しい声で歌っていますが、途中からはなかなか充実した声で歌い上げています。曲の後半は、もちろんしっかりと充実した声なのですが、もうひとつ余裕のあるがんばりで、輝かしく歌えるのではと、思ってしまいますが、イタリア人らしいがんばりとも言えます。また、高い第2音を、何度も楽譜とは違うアレンジで連発して歌っているのも、ありがたみがなくなって、少し残念です。
3.音域が広いので、うまく挑戦しましょう。（♭Ξ）
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1.歌詞はイタリア語で、お互いに愛し合っていたであろう恋人と結ばれなかったがそれでも愛している、また会えたなら青空に一緒に住もう、私と一緒に（幸せの日々を）願おう、といった内容です。青空に住むという非現実的な表現からも、想いは叶わないが愛している、という部分をどう表現するかが問われる曲ではないかと思います。
2.ビルラの歌唱は前半の柔らかく甘い歌声と、サビからの力強い声とで歌声にメリハリがあって魅力的な表現だと感じました。大げさなぐらいに子音を立てて、言葉の運びもやや食い気味に歌う感じが、この歌詞の内容をより引き立たせています。
3.語るように歌う部分では息が停滞しないように、Lentamente（ゆっくりと）ではありますが積極的に前に歌い進めていく感覚の方が歌いやすいと思います。サビ部分から急に音量を上げるのではなく、少し前の“io e te” からクレッシェンドしていくとサビに入りやすくなります。“La nostra casa” の部分は、nostra（私たちの）で3拍半伸ばし声を張って歌うとしても、casa（家）が名詞なので、casaがついでに歌っているようにならないよう息のコントロールをしてcasaまでしっかり声を保ってください。（♯α）
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1.邦題では「青空に住もう」ですが、原語では 「Una casa in cima al mondo」がタイトルであり、直訳すると「世界の頂上にある家」となります。邦題と比較すると原語の方がよりストレートに表現しているように思いますし、曲の内容からしてテーマとなっていることに違和感がないように思います。
2.よしあしは置いておいて、ビルラの歌い方は、おそらく「語り」寄りの歌い方を意識したことによるものだと思いますが、曲の冒頭などは歌い方が少し粘っこいというかテンポ的に重さを感じます。また、音程のずり上げやずり下げも目立つ印象です。
3.どのように語りたいかというのが歌い手から見えてくるとよいかもしれません。誰かがそう歌っていたからそう歌うのだというのではなく、歌い手が自分自身がどのように語りたいかという自発的に生み出される言葉のニュアンスがうまく音楽と結びつくと理想的だと思います。特に三連符などのニュアンスは、ソルフェージュ的、器楽的に演奏しすぎると、曲と言葉の持つニュアンスを活かしきれなくなってしまうでしょう。3つの音符で按分しきれない、言葉のニュアンスを活かした語り方を活かせるといいと思います。なお、音程の取り方に関しては清潔に行ったとしても曲や言葉のニュアンスを壊すことにはつながらないと思いますし、却ってより細かい表現が行えると思いますので、ずり上げやずり下げをせず、言葉と音を正確に清潔に意識して歌うとよいでしょう。（♭Я）
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1.aabba間奏 a後半 bコーダの構成で作られています。愛する者への切実な思い、苦しみ、嘆きなどがダイレクトに表現されています。
2.マスケラによく響いて輝かしい声をしています。発音も非常に明瞭なので、話すように歌っている感じがします。弱く歌うところと、声をしっかり張る部分のコントラストがとても大きく、泣きを入れた表現などもドラマチックに聴衆を引き込みます。
ほぼオペラ歌手のような歌い方ではありますが、あえて違いを探すと、口腔内の深さが違うと思いました。
3.声の張りをぜひ参考にしてほしいです。胸郭を広げ横隔膜、腹筋でしっかり身体を支えているので高音やロングトーンが可能になっています。
ぜひ身体のトレーニング、呼吸のトレーニングも取り入れて、身体から出す声をめざしてください。（♯β）
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1.これほど「テンションの落差」がある曲は珍しいです。イントロの、静かで物憂げなアコースティックで芸術的な感覚が素敵です。歌は静かに入ってきます。サビではリズムパターンも印象的で、歯切れのよい伴奏が歌のテンションを引っ張ります。テンポも少し変わっていることに注目してください。音楽は盛り上がると少し速くなります。一瞬の間の後にまた静かな曲調に戻ります。この一瞬が大切で、これ以上長いと間延びしてしまうなか、絶妙な時間間隔が保たれています。
2.出だしでは男声か女声かもわかりません。すぐに低い音域に移り、低音が魅力的に響く男性ヴォーカルだとわかります。静かに語るような歌いだしも印象的ですが、ここからは想像できないほどのサビでの情熱的なシャウト。深い声が身体から離れないで、魂を震わせてきます。一瞬の間の後また何事もなかったかのように静かに語り始めます。この絶妙なコントラストが、このヴォーカルの実力を必要としているといえるでしょう。
3.歌いだしの伸ばし方をまねしてみてください。静かに、でも身体から離すことなく響いています。上級者はサビのシャウトをまねしてみてください。少し喉にかかっても構いません。最近は「小さくまとまる」人が増えています。思い切って叫んでください。（♭∴）
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1.原語タイトルUna casa in cima al mondoは「この世界の上の家」という意味で、この世でない場所を指しています。たとえば「ロミオとジュリエット」のように、今生で結び合うことが許されない2人が死後の幸福を夢見て歌う内容です。
ピアノソロとパーカッションで静かに始まるオーケストラには、次第にストリングス、ブラス、コーラスが加わり編成を大きくしていき、壮大なエンディングを迎えます。
2.甘く語るような音色から力強く歌い上げる男性的な表現に至るまで、ビルラの声は自在です。中音域の充実したテノールで、柔らかなビブラートで聞かせるロングトーンは絶品だと感じます。
3.ひとことで言うと「心中ソング」ではありますが、湿っぽい悲壮感を混ぜ込まない方がこの曲らしいと思います。それよりも死後や来世への希望にフォーカスして歌った方が、聞き手を泣かせる歌になります。後半はどんどん熱っぽくなる展開です。はじめから声を使いすぎないようにペース配分を計算しましょう。（♯∂）
おすすめアーティスト・作品 No.406
「悲しい酒(武道館ライブ)」美空ひばり
レコーディングされたもの、TVで歌われたもの、数多く本人が歌っているが、武道館ライブでの悲しい酒は僕の中では圧巻だ。曲調はマイナーで暗く切なく悲しいイメージだが、歌唱に関しては所々ものすごくエッジが効いておりものすごく鋭い。独特の「タメ」と「バウンド」が随所で出てくるし、暗い曲だからこそ、テンションと鋭さが必要であると理解させられる。おなじみセリフの後は涙しながら歌うのだが、あれだけ自分の内に入っているのに一人よがりにならない。それどころか真に迫った感じになっている。三番では全く感覚が変わり、お客さんへのサービスとして歌いあげている。（僕は2番のリアルな感じの方が好きですが)聞くほどに「おお!こんな所も動かしていたか!!」と発見があり、鑑賞としても、勉強としてもすぐれた作品だ。
「翔んで埼玉 琵琶湖より愛をこめて」（映画）
東京に虐げられている埼玉県民の闘いを描いた前作の続編です。大阪、京都、神戸に蔑まれている滋賀県民が埼玉と手を組んで闘う話です。コメディというか、くだらない話なのですが、埼玉に住んでいたことがある私には地元ネタなど面白かったです。
国にしろ県や市にしろ、隣り同士が仲良くなるのは難しく、相手より上に立ちたいという気持ちや、おとなしくしているとやられてしまう、という恐れが常に渦巻くものだなぁ、と改めて感じました。
「SING SING シンシン」（映画）
演劇をやっていてよかったぁと思えた映画でした。演劇をやっていなかったら分からないような場面が多々ありました。黒人さんたちは、ただ歩くという演劇前の身体起こしの時間も、やはりリズムやノリが違うことを実感しました。文化の違いですね。あれぐらいのテンションで、身体起こしができるように動いてみようと思いました。
「劇場版SPY ×FAMILY CODE:white」（映画）
映像と音楽と声優さんの声がとても素晴らしいと思います。
「神の子どもたちはみな踊る」村上春樹（本）
母親が新興宗教の信者である男性は幼い頃から「あなたは神の子どもで特別な存在だ」と言われて育ったが、そのことに疑問を感じ棄教します。その後もずっと宗教や母親、そしてほんとうの父親は誰かについてわだかまりをかかえながら生きています。ただ最後の何かにつかれたように踊るシーンでは彼なりの答えを見つけ、呪縛から解放され自由になったのか、と感じさせられました。
「やさしい日本語」庵功雄（本）
仕事の関係で読んだ本です。「やさしい日本語」とは日本に住む外国人が必要な情報を得るための、わかりやすい日本語のことです。阪神淡路大震災をきっかけに研究され、今はNHKのNEWS WEB EASYのニュースでも提供されています。「やさしい日本語」は外国人が日本で生活していくうえで重要だという認識はありましたが、外国人のために日本語を調整する訓練をすることは日本人が自らの日本語運用能力を高める良い機会である、という筆者の考えにハッとさせられました。
「マクラーレン」（F1のチーム）
数年、F1を配信で観戦しているが、今年はドライバーの入れ替わりが多く、結果を出しているチームのドライバーに2年前から注目していたのですが、調子が良いのでとても嬉しいです。解説の方も話していましたが、ドライバーは技術だけでなく、いかに愛されるか、もポイントとのことで、過酷なレースの後でも笑顔でインタビューや表彰式に参加していて驚きます。表彰式の控え室での様子が配信で観られるのですが、レース直後とは思えないほど、自然でユーモアのある会話が観られるのでとても参考になります。アーティストにもすべての人にも共通の大事なことだと改めて感じました。
比較鑑賞のために 目次
1 「愛の別れ」（日本語）クラウディオ・ビルラ
2 「さよならをもう一度」尾崎紀世彦
3 「アドロ」（日本語）グラシャラ・スサーナ
4 「暗いはしけ」アマリア・ロドリゲス/村上進
5 ―
6 「サイレント・ナイト」マヘリア・ジャクソン
7 「ヴォラーレ」ドメニコ・モドゥーニョ
8 「愛の讃歌」エディット・ピアフ
9 「リリー・マルレーン」マレーネ・ディートリヒ
10 「カルーソ」村上進
11「この胸のときめきを」エルヴィス・プレスリー/ピーノ・ドナッジョ/ダスティン・スプリングフィールド/ブレンダー・リー
12「キサスキサスキサス」テレサ・ガルシア・カトゥルラ＆オマーラ・ポルトゥオンド/坂本スミ子
13「バナナボード」ハリー・ベラフォンテ/浜村美智子
14「タイムトゥセイグッバイ」アンドレア・ボチェッリ＆サラ・ブライトマン /中島啓江＆布施明
15「君に涙とほほえみを」ボビー・ソロ/布施明
16「神の思いのままに」ジルベールベコーと堀内
17「帰り来ぬ青春」 シャルル・アズナブール/今陽子
18 ―
19「マック・ザ・ナイフ」エラ・フィッツジェラルド/渡辺えり
20「ハンブルクにて」エディット・ピアフ/ 金子由香利
21「ソモスノビオス」(「It's Impossible」)クリスティーナ・アギレラ/ 夏川りみ（デュエット：アンドレア・ボチェッリ）/ペリーコモ（ソロ）
22「インシャラー」サルヴァドール・アダモ/ アマリア・ロドリゲス
23「アモール・モナムール・マイ・ラブ」クラウディオ・ビルラ/岸洋子
24「アル・ディ・ラ」ベティ・クルティス/岸洋子
25「去り行く今」セルジオ・エンドリゴ/中原美紗緒
26「愛は限りなく」ジリオラ・チンクェッティ/ドメニコ・モドゥーニョ
27「フライ・ミー・トゥ・ザ・ムーン」トニー・ベネット/ブレンダ・リー
28「ラヴィアンローズ」ルイ・アームストロング（サッチモ voとtp）
29「ラスト・ワルツ」エンゲルベルト・フンパーディンク
30「生命をかけて」オルネラ・ヴァノーニ
31「黒い鷲」バルバラ
32「ギターよ静かに」ニコラ・ディ・バリ
33「聞かせてよ愛の言葉を」リュシエンヌ・ボワイエ
34「行かないで」ジャック・ブレル
35「上を向いて歩こう」美空ひばり/坂本九/マリーナ・ショウ
36「枯葉」サラ・ヴォーン
37「人生よありがとう」メルセデス・ソーサ
38「心遥かに」イヴァ・ザニッキ
39「Who wants to live forever」ジョルジア
40「明日に架ける橋」ジョルジア
41「ある日恋の終わりが」 ジョルジュ・ムスタキ
42「暗い日曜日」ダミア
44「涙のさだめ」ジャンニ・モランディ/ボビー・ソロ/イヴァ・ザニッキ
45「愛は君のよう」サルヴァトール・アダモ
46「エ・ヴェーロ」ミーナ
47「愛遥かに」ミルバ
48「そして今は」ジルベール・ベコー
49「死ぬほど愛して」アリダ・ケッリ
50「限りなき世界（イル・モンド）」ジミー・フォンタナ
51「待ちましょう」リナ・ケッティ
52「ナポリは恋人」ジリオラ・チンクェッティ
53「愛のめざめ」ウィルマ・ゴイク
54「アモーレ・スクーザミ」ジミー・フォンタナ/トニー・ダララ
57「More（モア）」アンディ・ウィリアムス/ナット・キング・コール/トム・ジョーンズ
58「ジェルソミーナ」カルメン・マキ
59「悪女」 シルヴィ・バルタン
60「アネマ・エ・コーレ」 ジリオラ・チンクエッティ
61「アリヴェデルチ・ローマ」 ランド・フィオリーニ
62「ラ・ノヴィア」 トニー・ダララ
63「リコルダ」 ミルバ（参考 オルネラ・ヴァノーニ）
64「青空に住もう」 クラウディオ・ビルラ
65「あなたに口づけを」 フェルッチョ・タリアヴィーニ
1～11は、
1.歌詞と曲と演奏 ことば、ストーリー、ドラマ、情景描写、構成、展開、メロディ、リズム、演奏、アレンジなど
2.この歌手自身の声、歌い方、オリジナリティ、感じたこと、伝えたいこと（VS比較歌手）
12～は、
1.歌詞と曲と演奏など
（ことば、ストーリー、ドラマ、情景描写、構成、展開、メロディ、リズム、演奏、アレンジなど）
2.歌手のこと
（声、オリジナリティ、感じたこと、伝えたいこと）
3.歌い方、練習へのアドバイス
V063「リコルダ」 ミルバ（参考 オルネラ・ヴァノーニ）
1.歌詞と曲と演奏など
（ことば、ストーリー、ドラマ、情景描写、構成、展開、メロディ、リズム、演奏、アレンジなど）
2.歌手のこと
（声、オリジナリティ、感じたこと、伝えたいこと）
3.歌い方、練習へのアドバイス
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1.ひとことでいえば失恋の歌ですが、文化の違いなのか、ミルバの歌うアレンジでは、とても大事件のようなオーケストレーションになっています。そういう意味では、参考曲のアレンジの方がしっくりくる感じがします。ミルバの歌唱力に合わせて、つい大げさになってしまったのかもしれません。もちろん当事者にとっては、真剣であればあるほど、世界の終わりのような大事件に違いありません。しかし、日本人の感性からすると、少し違う気がします。
低い第5音から、高い第6音までの1オクターブ余りの音域の曲なので、多くの人にとって歌いやすい音域でしょう。いきなり結論の最後のフレーズから始まります。その後から始まる二つのフレーズは、どちらも短調の主音をメインにしていて、悲しみが強く押し出されています。
3個目のフレーズでは、第3音がメインに上がり、4個目のフレーズでは、高い第6音から順次進行で下りながら、主音だけ抜かして低い第7音から主音のロングトーンに終わります。これを2回繰り返してから、主音の連続のフレーズから第2音の連続フレーズになり、第3音の連続のフレーズの後、高い第6音から長い音符で順次進行で下降し、始めの主音の連続のフレーズに戻ります。うまく考えられたフレーズ構成になっているのも、大ヒットした理由でしょう。
2.ミルバは、艶のある、少し暗めの声で、パンチも効かせています。
3.とても気持ちの込めやすい曲なので、始めはなるべく感情を込めずに淡々と歌って、音高に合わせた発声をしっかりつかんで、声の実力を充分に発揮できるようにしていきましょう。（♭Ξ）
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1.イタリア語で「Ricorda（リコルダ）」は「覚えていて」という意味で、恋人と別れた女性の心情を歌っています。一番最初の歌い出しである”Ricorda amore mio ricorda”（覚えていて私の愛しい人）をどう表現するかがこの曲の要でもあり、聞き手に与える印象を大きく左右する部分です。
2.ミルバはsotto voceで語るように歌う部分と、しっかりと声を張って情熱的に歌う部分との歌いわけが、とてもうまく、旋律にメリハリがあってまるで曲全体を立体的に歌い上げているような印象を受けます。その中でも特に、始めの歌い出し“Ricorda,amore mio ricorda”の歌い方は秀逸です。歌声・歌詞の発音にどこも角がなく滑らかな中で、でも歌詞ははっきりと立ち上がってくる感じがあり、こういった表現はやはり歌手のセンスなのだと思います。
3.ミルバの歌唱を参考にするのは、言葉の運びや音楽的表現などとても勉強になると思います。たとえば歌い出しの歌詞でricor-da a-moreを見ると、-da a-で単語の繋がりがどちらも母音アです。母音が繋がってricordamoreとひとつの単語のようにならないよう工夫が必要です。ここはぜひミルバを参考にしてください。
一方で、ミルバがポルタメントで歌っている“io ti amo”や“d'argento ma”の部分に関しては、そのまま真似る前にまずはシンプルに音程をとって歌ってみてください。自分の表現が伴う前にポルタメントをしても、形だけの技術を提示するのみでそこだけが浮いてしまいます。（♯α）
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1.ざっくりいうと失恋ソングです。「Ricorda」は「あなた」に対して、「覚えておいて」や「思い出して」という意味になります。自分のもとから去って行ってしまう人に対して、自分という存在を意識してほしいという内容が切々と歌われています。
2.ミルバの歌い方は、若干、表現に振った分だけ声が揺れ気味に聞こえるところもありますが、声も発音も割合聞き取りやすく、自分の持つ楽器の許容範囲をそれほど大きくは逸脱していない印象を受けます。またドラマチックな内容を語り方で表現している印象を受けます。
3.普通に歌ってしまうだけでは非常に味気のない曲になってしまうように思います。歌う人の感性や語り方がこの曲を仕上げるうえでは欠かせない要素になると思います。
別れることとなった「あなた」に対して「思い出して」や「覚えておいて」という内容が歌われている曲ですが、声だけではなく妙なる語り方で色彩豊かに表現することができると、この曲の持つニュアンスが活きてくると思います。歌うという意識よりも、どのように語りたいのかを徹底的に研究してみるとよいでしょう。語り方からくるしぜんな間の緩急などもこの曲を歌う上では重要で必要な要素になると思います。（♭Я）
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- 歌唱力、独特な声の響き、圧倒的な表現力で魅了している歌手です。言葉への思いが強く、他の歌手の比にならないぐらい表現力が素晴らしいです。それを支えている声や息のテクニックも群を抜いていると思います。一つの言葉を発するにも、いろんな思いがこめられており、歌に魂が宿っていると感じます。一つの音に対しても下からアプローチしたり、上からアプローチしてみたり、言葉の中でも音節ごとの伸び縮みがあったり、音節と音節の繋げ方も絶妙です。
3.「gente」「mano」「io」などの各音節のどこがどのぐらい引き伸ばされているか、研究してみてください。また「ti amo」も、どの音節からどのように伸ばされているかなど、音節での伸び縮みを参考にしてみてください。小さい音でもしんのある響きのある声で歌っています。たとえ囁くような表現で歌うとしても、ミルバのような歌い方を参考にしてみましょう。（♯β）
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1.イントロから歌に入るまでが印象的です。まずはリズムに圧倒されます。このリズムからは何か雄大なことが始まる印象を受けます。全力のオーケストラ伴奏が鳴り響き、Ri と力強く歌い始めたかと思うとすぐに伴奏が途切れ、優しい声でRicorda, amore mio 「覚えていて恋人よ」と静かに歌が始まります。
2.声自体もつやのある声で素晴らしいのですが、何よりも表現の種類が豊富です。ほんの短い時間にどれだけの変化があるでしょう。力強さ、優しさ、のびやかに甘く、また雄々しさ。 凛として静かさの中に強い意志が感じられる表現です。
3.初めの1フレーズが作れれば上級者です。声のこと、息のこと、表現のことがすべて入っています。また、イントロをリズム練習に使ってください。リズムに乗って歌うどころかむしろリズムを作っていくことがヴォーカリストの役割です。そのためにはリズム練習は実は必須です。冒頭のリズムを口で真似してみましょう。「ルン、トゥルルルンルン、ルンルンバン」勢いよく一息でいえますか。（♭∴）
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1.「思い出して」という意味のタイトル。「あなたが辛いときには私の愛を思い出してほしい、そしてあなたが誰かの愛に満たされているときには私のことは忘れてほしい」といった内容で、深い愛情を歌っています。行進曲風のリズムのやや大仰な前奏ののち、まったく別の世界のことかのように甘く歌いかける「リコルダ」という言葉が印象的です。
2.ミルバは哀愁を秘めた深みのある美声で切々と歌い上げています。要所要所でビブラートを大きく使い、サラッと流すところでは清潔に音を運んでいます。このビブラート/ノンビブラートの自在な使い分けは、見事という他ありません。
3.繰り返し歌われる「リコルダ」というフレーズは完全4度の下降型でできています。この音型は古くはバロック時代にパッサカリアやシャコンヌと呼ばれ、憂鬱な気分の表現として大変好まれていました。この音型は極めてレガートに歌うことによってその本質を体現できます。是非、ここはこだわってください。（♯∂）
おすすめアーティスト・作品 No.405
「F1 配信での観戦」（モータースポーツ）
ドライバーの力だけでなくチーム全体で命懸けで挑んでいくことや、表情やコメントから人間性を知ることができるのでいろいろと学びになります。
自分のゆっくりした話し方は独特のものであるようで、以前からこの話し方を巡って周囲から弄られることが多々ありました。
時にはこの漫才コンビのボケ役である太田さんに似ているとも言われたことがありますが、事実、レッスンを録音した音声を聞くと自分でも似ていると感じました。
しわがれた声で何か酔っぱらっていて呂律が回らないみたいな、要領を得ないような話し方が太田さんの特徴ですが、その話し方にも似合わず放送事故並みの発言をして文字通り爆笑を誘います。
相方でツッコミ役の田中さんは対照的に、良く通る甲高い声で早口に太田さんの暴走を止めに（と言っても実は煽りに）入ります。
今年の元日にフジテレビで毎年恒例の「爆笑ヒットパレード」にドリで出演し、漫才を披露しましたが、ここでもとんでもない暴走をしでかしました。
出だしは「この番組が10年、20年と言わず、ずーっと続いて行って欲しい」と番組への愛着を語っていた太田さんでしたが、その舌の根も乾かないうちに「ただね、その前にフジテレビ潰れます」と爆弾発言。
「何てこと言うんだよ！やめろ、シャレにならないから」とツッコんで太田さんの右肩を引っ叩く田中さん。
足元がふらつくくらい引っ叩かれても太田さんの暴走は止まらず、「Aプロデューサーって誰？」とか、遂にはフジテレビの最高幹部を呼び捨てで名指しし、「〇〇、出て来い！」と怒鳴り出す始末。
後から「言い過ぎました、ごめんなさい、皆さん冷や冷やしましたよね」と取り繕う太田さんに、「俺が一番冷や冷やしてるの！」とツッコむ田中さん。
自分は普段テレビは視ませんが、YouTubeでこの暴走漫才を視て抱腹絶倒に陥りました。
しかし、一旦自分を落ち着かせ、自分と太田さんの共通点について考えると、話し方からしてあまり普段は雄弁ではなく、むしろ人との対話は苦手なのだろうと思いますが、その一方で何か他人が言えないようなとんでもないことを喋って内気な自分を粉砕してやりたくなることがあるようです。
飽くまで、自分と太田さんの性格が似ていると仮定した場合の話です。
「あの歌を憶えてる」（映画）
久しぶりに映画館で見ました。私が出会う人に届けたいことを、役者として映画の中で届けていらっしゃる女優さんでした。母との葛藤や、父からの虐待、妹との確執。すべてを乗り越えたうえで、次世代の自分の子どもには、不安ながらも本物の愛をそそぐ母親として表現されていました。そして、それを支える男性との出会いによって、心が解放されていくプロセスが、見ている私にも伝わってきました。
人は何歳になっても、学べば変われる。どんな状況であっても、よい人との出会いさえあれば変わることができる。映画の女性を見て感じました。でも、現実はそれが難しい人が多いですね。その違いは何だろうと。現実の人たちを見て、改めて考えています。
「SPY×FAMILYのポッドキャスト」（声優）アニメ作品に出演の声優さんの番組、声優になりたいと思ったきっかけや、気をつけていることや、あるあるな話などが聞ける。何より、作品以外に番組としてのトークの声も素晴らしい。
「ねじまき鳥クロニクル第二部 予言する鳥編」村上春樹（本）
三部作の2作目です。仕事を辞め、主夫をしている主人公の妻が家を出て行ってしまい、更に主人公にはいろいろ不思議なことが起こります。夢の中の世界と現実が交錯するのでよくわからない点が多い物語です。ただ最後の方の主人公の叔父の言葉は心に残りました。「成功するためには、誰にでもわかる簡単なところから始め、そこに時間をかけることが1番大事。ほとんどの人は簡単なところを飛ばして少しでも先に行こうとするから失敗する。」これは何にでも通じる極意なのではないか、と思いました。
「俳優の仕事 第1巻 俳優教育システム」スタニスラフスキー（本）
いちいち考えながら読んでいるので、なかなか前に進みませんが、日本では新劇の方々が現在も大事にされている俳優技術を、１つのスキルとして知っておきたく、イメージが明確になり面白いです。
「隣の国の人々 韓国語と日本語のあいだ」斎藤真理子 （本）
韓国文学の翻訳家である著者が言葉、文字、音、声などの観点から韓国語を読み解き、日本語との違いなどについて、またその違いがどこからきたのかについて記したエッセイです。
私は今のように韓流ドラマやKポップが大人気になる前から韓国語に興味があり勉強しているのですが、日本との歴史的な問題を考えると少なからず気後れを感じていました。が、日本と朝鮮半島の間にある敷居を無かったことにするのではなく、敷居の上で頭を使って考えることは中身のある楽しい人生になるのではないか、という作者の言葉に勇気づけられました。また、言葉のリズムのととのえ方は身身体の構えや呼吸そのものだと思う、という言葉にはこちらでのレッスンにつながるものがあると思いました。
「眠り」村上春樹（本）
突然眠れなくなり、17日間一睡もしていない専業主婦の話です。寝ていないのに身体はかえって元気。眠らないことで自分の時間が長くなり、自分自身と周りとの関係について深く考察するところは非常に興味を持ちました。実際には17日間眠らないことはありえないので、これは逆に眠っていて夢を見ているのではないかと考えました。
V062「ラ・ノヴィア」 トニー・ダララ
1.歌詞と曲と演奏など
（ことば、ストーリー、ドラマ、情景描写、構成、展開、メロディ、リズム、演奏、アレンジなど）
2.歌手のこと
（声、オリジナリティ、感じたこと、伝えたいこと）
3.歌い方、練習へのアドバイス
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1.3連符が多用されている曲です。4分の4拍子の2拍目と4拍目が、ほとんど3連符になっていて、1拍目と3拍目は4分音符で、フレーズの終わりは2分音符と4分音符です。また。2拍目の3連符は、1拍目の4分音符からタイでつながっていて、2拍目の2拍目から始まります。
リズムの形はずっと繰り返されるので、身体に残りやすく、つい憶えてしまいます。サビになると大きく変わって、4拍目の2拍目からフレーズが始まり、1拍目の4分音符は2拍目の2拍目までタイでつながります。このように大きな動きはありますが、1拍目と3拍目が4分音符なのは変わりません。さらにサビの5フレーズ目からは、2拍目の3連符も、2拍目の2拍目から使われるようになり、倍の長さのフレーズになりますが、急き立てるように3連符が活躍し、サビ感を盛り上げていきます。
2.通常は、けっこう歌い崩されるカンツォーネが多いなか、Strofa-Ritornello 形式ではないためか、必ず2拍目と4拍目が3連符という形式が守られているためか、トニー・ダララも、微妙なテンポの伸び縮みはあっても、大きく歌い崩してはいません。残念なのは、随所にちりめんビブラートがみられることです。マイクを通すとあまり判りませんが、マイクなしで聞くと、なかなか輝きのあるきれいな声なのかもしれません。
3.音域は、主音から高い第3音までと少しだけ広めなので、高い第3音はもちろん、低い主音も余裕を持ってきれいに歌えるように、うまくキーを選択しましょう。（♭Ξ）
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1.曲名の「La novia」はスペイン語で「花嫁」という意味で、歌詞は愛していない人と結婚する女性を描写した内容になっています。曲の最後にはAve Mariaを4回歌いますが、全部が一辺倒にならないよう歌い方や表現を工夫してください。
2.この曲に関しては、ダララは少し独特な歌い方だと思いました。フレーズを短くきったり、単語の間にブレスを入れたりしているのは、主人公のやるせない気持ちやため息といった部分を表現しているのかもしれません。
3.この歌い方はひとつの個性なのでそれをまねするのではなく、まずはちゃんと歌詞を発音し、フレーズ感を持って歌うことをお勧めします。具体的には歌い出しの単語であるblancaは、blan-caのように音節の間でブレスを入れないことです。ひとつの単語は切らずに歌うのがまずは基本です。その少し後のnoviaについても、音にスラーがついているのでno-viaと音節で区切らずレガートに歌ってください。歌い出しはBlancay radiante va la noviaをひとフレーズとして捉えましょう。(♯α)
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1.原語はスペイン語です。「La novia」は「花嫁」。明るい曲調ではありますが、「彼女が愛したのは、彼（結婚相手）ではなく、この僕だったのだ」と、別な男性と結婚することとなった彼女の気持ちを代弁するかのように歌われている曲です。
2.ダララの歌い方の特徴として、声の揺れ、いわゆる「ちりめんビブラート」になっているところが気になります。他の歌手の場合であっても、この「揺れ」を正常なビブラートと勘違いしてしまう人が多いので勘違いしないように注意しましょう。
3.比較的歌いやすいと思いますし、音楽的に歌いたくなるような書き方になっていると思います。ですが、歌う際にはできるだけ清潔に淡々と語るようにということを心がけたほうが、結果的に歌いやすくなるように思います。ここでいう「歌う」ということの意味は「余計な節回しをする」ということや「音の出し引きをする」「言葉の入れ方と音程が不一致になる」というような意味です。
もし、音程が不鮮明であったり、ずり上げずり下げが目立つということを言われたとしたら、この辺りを気をつけてみるとよいかもしれません。（♭Я）
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1.a a b a codaの構成で成り立っています。よく耳にするメジャーな音源にある標準イタリア語の歌詞とはだいぶ異なるので、イタリア語の方言かスペイン語のように聞こえます。
2. 高い声はテノール歌手のように地声で張って出すというよりも、ミックスヴォイスで出しています。ｂパートは激しく情熱的に発音しています。言葉の頭などに、少ししゃくりを入れて強調しています。ave maria は息から入って,儚さを表現しています。繰り返すave maria最後に向かってより減衰し衰弱する感じを表しているように感じます。
3. このバージョンで演奏するには歌詞が独特なのでよく詩を読むことが大切です。標準イタリア語よりだいぶ柔らかい発音を心がける必要があります。
aパート（落ち着いたイメージ）、bパート（激しく情熱的に）、コーダ（はかなげで祈る思いも込めて）の歌い分けを明確にすることで曲の表現にメリハリがつくと思います。（♯β）
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1.シンプルなリズムのイントロです。3拍子だとわかりましたか。拍子感をつかむのは大切なことです。歌いだす前に、曲の世界に入り込むのです。
2.声の力も強い美声ですが、それよりも強靭なリズム感を持つヴォーカリストだと感服しました。ことばが跳ねています。その向こう側にあるリズム感を理解してください。語るようにシンプルに言葉を置いていっているようですが深い息で支えられています。
3.冒頭のフレーズ・コピーをしてみてください。言葉をよく聞いてまねしてください。おそらく「のっぺりした感じ」にしかならず、愕然とすると思います。リズムをたたく練習、おなかで声を出す練習、の2つが大切になります。
（♭∴）
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1.タイトルは、新婦の意。泣きぬれた美しい花嫁が今まさに祭壇で愛を誓おうとするが、その言葉は偽りだ、と傍観者の「私」は語ります。愛する彼女は無理矢理好きでもない男と結婚させられるのか、はたまた、この「私」はとんでもない勘違い男なのか。真実は歌詞からは読み取れませんが、「私」にとっては辛い結婚式の光景です。
音楽には教会の鐘の音が加わり、さらにシューベルトの歌曲「アヴェ・マリア」の一節がモチーフとして使われています。
ちなみにロマン派の作曲家ロベルト・シューマンが新婚の妻に捧げた歌曲「献呈」にも、同様にこの「アヴェ・マリア」が使われています。本来「アヴェ・マリア」は結婚式とは無関係なのですが、現在の結婚式でも定番曲となっており、結婚のイメージと強く結びついていることがうかがえます。
2.単純な曲ながら、ダララは、指をくわえて見ている男の様子が目に見えるかのように歌っています。ショックのあまり淡々と言葉を噛み殺しながら、あるいは溢れる思いをギリギリで抑えながら。そしてアヴェ・マリアに万感の思いを込めて歌い上げます。歌で感情のみならず視覚的な要素をも伝えるというのは、非常に高度なテクニックだと感じます。
3.一見、美しいメロディの甘い曲です。まずその要素をしっかりと出せるように練習しましょう。すなわちレガートに歌うということです。それができてから毒の部分を研究するといいでしょう。逆をやりがちですが、これは完成度を上げるために守るべき手順です。（♯∂）
おすすめアーティスト・作品 No.404
「ブラッドダイヤモンド」（映画）
正と悪の基準って何だろう、と考えました。生きていくのに必死で、そのためには、悪と思っていたことを選択しなければならないことがあるかもしれない。自分が今置かれている環境がどんなに恵まれているかを改めて感じられることができました。
「フィッシャーディースカウのおやすみ」
聞いて考えてみました。母音と子音について注意してディースカウの歌唱を聞いていると、母音と子音がかぎりなく溶け合っているように聞こえ、それがドイツ語なのに、とてもやわらかく優しく聞こえる原因だと思いました。
認知症になった舅を介護する長男の嫁が主人公です。50年以上前、認知症について今ほど知れ渡っていなかった時代にこれほど詳細に描写されていることに驚きました。介護する人の苦悩や自分の老いに対する恐怖、不安は50年たっても変わらないと思いました。
また、人間の尊厳とは何だろう、と考えさせられました。
20年程前に読んだのですが、内容はあまり覚えておらず、再読しました。恋愛小説かと思っていましたが、主人公の周りの人物が皆何らかの問題や生きづらさを抱えていて、生きていくのは大変なことなのだ、と感じさせられる重たい小説でした。
今年の大河ドラマ「べらぼう」は江戸時代のクリエーターともいえる蔦野重三郎が主人公で、その舞台が吉原ということもあり、我々伝統芸能の世界に生きる者達は興味津々で観ている者が多いです。しかし、音楽のあまりのひどさに呆れてしまいました。話の内容は、中々集客できない吉原のために俄（にわか)というイベントを立ち上げ、その目玉として、芝居小屋で人気の役者と浄瑠璃、富本節の名手の出演を、主人公が画策する筋立てですが、その名手を演じる役者がまるで素人です。あれを邦楽といわれたらというレベルでした。浄瑠璃の声は一朝一夕にできるものではありません。長年の修練で身につく物だからです。演じた役者が哀れに思えました。また三味線のネジ（糸巻)に象牙を使っている場面がありましたが、象牙のネジは明治期に初めての天覧（天皇陛下の前で演ずること)歌舞伎の折から始まった仕様で、あの蔦重の時代ではあり得ないことです。NHKの時代考証の劣化は末期的だといえます。自国の物語なのにこれでよいのでしょうか。
「ビストロボイス」（テレビ番組）
声優さん3名が炊飯器の取り扱い説明書でセリフを言うことに挑戦。イントロが流れたときから始まる感情の使い方が、最後まで引っ張っていく様子が見ることができました。どんなセリフでも自意識を消して、その役になりきることがプロだと実感しました。
「モネ 睡蓮のとき」（美術展）
モネは大人気で朝から長蛇の列でした。日本庭園に興味を持っていたということで、太鼓橋や柳の木などを描いた作品が多く展示されていました。私がいつもジョギングする近くの公園にも太鼓橋があるので、親近感を覚えました。モネは白内障で色の見え方がおかしくなり、その後の絵の色は赤味や黄味がかった独特の色合いでしたが、かえって情熱や迫力が感じられました。
V061「アリヴェデルチ・ローマ」 ランド・フィオリーニ
1.歌詞と曲と演奏など
（ことば、ストーリー、ドラマ、情景描写、構成、展開、メロディ、リズム、演奏、アレンジなど）
2.歌手のこと
（声、オリジナリティ、感じたこと、伝えたいこと）
3.歌い方、練習へのアドバイス
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1.音域としては、低い第5音から第5音までの1オクターブで、多くの人に親しみやすく、実際に歌ってみたくなっても、それほど困難な曲ではないので、皆に愛されたことでしょう。
曲の最後に通常歌われる主音が、音域の真ん中にあるので、声を張る必要もなく、低い声があまり強くなくても、気にならない構成です。
楽譜上は、前半の Strofa では三連符が多用されていて、後半の Ritornelloの始まりの8小節間「Arrivederci,Roma…」 と、その後の8分音符が多用される8小節の後の、同様の「Arrivederci,Roma…」は、付点2分音符と4分音符、そして7拍のロングトーンで歌われ、きれいな対比を作っています。例によって、やはり楽譜は軽視されることが多いらしく、逆にその程度の適当な表記として作曲者も扱っていたのかもしれませんが、楽譜どおりの演奏はされていません。それでも、ランド・フィオリーニは、それほど酷く逸脱しているわけではなく、なんとなく3連符の面影はあります。
2. ランド・フィオリーニは、きれいな無理のない声で、聞く人に耳あたりのよい声で、ほとんど張った声は使っていませんが、曲の最後は第5音に上げていて、Ritornelloの途中の第5音と共に、無理なく張った声を使っているのは、好感が持てます。
3.まずは楽譜を尊重して、楽譜どおりに歌えるように練習していきましょう。（♭Ξ）
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1.前奏はト長調なのに歌入りからはト短調になり、サビ部分から、またト長調に転調するという構成です。ト短調では語りのような感じで歌詞の発音も多いので、全ての音節を同等に発音するのではなく、それぞれの単語のアクセントに沿って母音の強拍・弱拍を意識して歌うと、自ずと音楽の流れが出てきます。
2.声は軽やかなテノールという感じで、気になるような歌い癖もなく息の流れもコントロールされていて聞きやすいです。サビ部分の「Arrivederci Roma（さようならローマ）」の歌い方も表現の工夫をされているのがわかります。
3.前半部分（ト短調）の語りのような歌いまわしは、一見すると音はシンプルですが歌詞を乗せて流れるように歌うのはとても難しいです。たとえ同じ音符の長さであっても、歌詞の音節の長さは同等ではないので、強拍・弱拍に沿って歌うと音の長さは微妙に違ってくるものです。いきなり音と歌詞を合わせるのではなく、まずは歌詞のリズム読みをして発音の流れを確認しましょう。その際には、大げさなぐらいに強拍・弱拍を意識して発音することがポイントです。この練習をしておくと音程をつけた際に息の流れを促し、歌詞の言葉一つひとつも発音が立ってきます。（♯α）
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1.タイトルを直訳すれば「さようなら、ローマ」になります。ローマに別れを告げる内容が歌われています。
2.オペラ歌手として一流の歌劇場の舞台を踏むことを目指してはいたものの叶わず、映画俳優として、またテレビ・ラジオ出演やレコード歌手として活躍してきた経緯がある人です。
オペラを歌うときはスピントの力強い声で歌っていますが、この曲のこの録音ではややポップス的な歌い方を意識している印象を受けます。彼の出演する映画の劇中歌で歌っている同曲の方がドラマチックに歌っている印象を受けます（逆に少々粗さが目立つという見方もできなくはないが）。
3.小奇麗にまとまるように歌うよりも、ある程度（決してド派手にという意味ではない）のドラマチックさも取り入れながら語るように演奏することによって、この曲のよさが活かしやすくなるのではないかと思います。特に、Arrivederci,Romaの件が出てくるまでは、歌うよりも語るニュアンスを大切に演奏する方が演奏効果が高くなると思います。ていねいさとドラマチックさを兼ね備えて歌えると理想的だと思います。（♭Я）
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1.ビギンのリズム、テンポで歌います。語りのような部分とリトルネット部分からなります。語りの部分は割と自由なテンポで、リトルネッロはリズミカルにビギンのテンポで歌われます。
2. 軽めのテノールです。こぶしが軽やかに回る軽快さがあります。明るい美しい響きが特徴で、綺麗なビブラートがついています。クラシックほど深く声を出しているわけではありません。強弱の抑揚をつけて表現しています。
3. 楽譜のリズム通りに歌う必要は全くないですし、語るようにフレーズを運んでほしいのですが、まずはソルフェージュ的に音とリズムをしっかり取ることがポイントです。しっかり譜読みができたら、この歌手が、どこで速くしているか、どこをゆっくり歌っているのかを聞いてみましょう。楽譜にないこぶしをいれるところにも着目してまねしてみるとカッコよく歌えると思います。（♯β）
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1.メランコリックな部分と明るいところとが交互に繰り返される曲です。それぞれの曲調に合うように、ギターのトレモロで悲しさを表し、「シャカシャカ」の打楽器で明るさを表しています。しかし明るい部分の歌詞を聞くと「Arrivederci domani」「goodbye」と悲しげな内容です。悲しげな内容と曲の持つ明るさをどう両立させるかがカギとなるでしょう。
2.あまりシャウトすることなく、話すように、自分に語りかけるように歌います。響くよい声で、地声に近い低音域で歌うため、表現が豊かです。
想像した以上に「明るい部分」を暗く歌います。バックコーラスと打楽器の明るさがむなしく感じるほど切ないです。
3.「明るい部分」を練習してみましょう。歌詞も簡単に聞き取れるのでよいと思います。どのくらい悲しく歌うのか。むしろ明るく歌ってみるのか。シャウトするのか。語りかけるように歌うのか。いろいろな表現を試せると思います。
（♭∴）
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1.17世紀初頭のヴェネツィアの作曲家クラウディオ・モンテヴェルディのオペラ《ポッペアの戴冠》のなかに、Addio, Roma（さらばローマ）という素晴らしい一曲があります。舞台は古代ローマ。ネロ帝に廃された皇后オクタヴィアが故郷ローマを追われる場面。まるで血の涙を流すような切々と胸に迫る曲です。
今回のアリヴェデルチ・ローマ（「ローマよまた会う日まで」といったニュアンスです。また来る機会がありそうですね）はそんなシリアスな内容ではありませんが、Addio, Romaと和声進行が似ています。もしかしたら下敷きにしたのかもしれません。
マンドリンのトレモロに乗せて、楽しいローマの名所をたくさん巡っていきます。
2.ランド・フィオリーニの歌はダウナーな雰囲気を纏っていて、あまり声を張り上げたりしません。しかしながら言葉は一語一句漏らさず書き取れるほど明瞭で、決して湿っぽいわけではありません。意外とまねしづらいタイプの歌手だと思います。
3.前半の物哀しい短調の部分には半音階の進行が何度か現れます。こういうところをいかにミステリアスに魅力的に歌えるかが仕上がりを左右します。和音からはみ出す音ですが、きちんと和音を聞いておいてそこからハズすのがミソです。（♯∂）
おすすめアーティスト・作品 No.403
「Have You Never Been Mellow」作詞・作曲：ジョン・ファーラー 唄：オリビア・ニュートン＝ジョン
1975年にアメリカでヒットしたこの曲は日本でも「そよ風の誘惑」という題名が付けられ、ヒットしました。
自分は最近になって初めて聞きました。
表向きは恋人を気遣うような文言ですが、真意はどうやら作者からストレスフルな現代人への問いかけと労わりのメッセージではないかという気がしてきました。
悔やまれるのは、もっと早く原曲を聞いていたら、自分はウツ病にならずに済んだかも知れないし、この曲を唄うことで英語にももっと親しめたかも知れないことです。
サビの部分を訳すと、
「あなたは心地良さを味わったことはないのですか？それも心の奥底から。」
「あなたは幸せを味わったことはないのですか？あなたの心の歌を聞くことで。」
「あなたは他の誰かを元気付けてあげたことはないのですか？」
となりますが、さらに自分なりに意訳すると、
「心の奥底から心地良くなりましょうよ。」
「幸せとは他人に見せるものじゃなくて、自分の心の声を素直に聞けることであって、だからこそ誰かの力にもなれるのですよ！」
という意味に受け取ることができ、これは作者の優しさであると思います。
唄い手のオリビアさんは一度は乳がんを乗り越えて復帰しましたが、２年前の2022年に再発したがんのためこの世を去りました。
生前は歌手活動の傍らがん研究センターの設立に尽力するなど、最後までがんと闘い続けた、優しさと勇気を備えるアーティストでした。
「ブラッドダイヤモンド」（映画）
正と悪の基準って何だろう、と考えました。生きていくのに必死で、そのためには、悪と思っていたことを選択しなければならないことがあるかもしれない。自分が今置かれている環境がどんなに恵まれているかを改めて感じられることができました。
20年程前に読んだのですが、内容はあまり覚えておらず、再読しました。恋愛小説かと思っていましたが、主人公の周りの人物が皆何らかの問題や生きづらさを抱えていて、生きていくのは大変なことなんだ、と感じさせられる重たい小説でした。
「晩年の子供」山田詠美（本)
変わったタイトルに惹かれ読みました。子どものころ頃ふとしたことが気になり、誰にも聞けず1人思い悩むことってあったなぁ、と懐かしく思いました。ただ一見家族や友達の間で起こりそうなエピソードが生と死に結びつくところに作者の感受性の強さ、豊かさを感じました。）
「ダンス・ダンス・ダンス」村上春樹（本）
主人公は様々な人たち(一風変わった人たちばかり)と出会い、別れ、孤独や喪失感を抱き、もがきながらも、答えを見つけようと生きていく物語です。
最後まで謎が多く残り、非常に難しいストーリーでした。「ダンス・ダンス・ダンス」とはとにかく現状のなかで精一杯生きろ、ということなのかと私は勝手に解釈しました。
「三木眞一郎さん」（声優）
動画コンテンツを観ていて、素敵な声だと思ったら、ナレーターの名前が出ていました。落ち着きがあり、抑揚があり、聞き取りやすく、ちょっと緊張感のある感じでとても芯がある声だと感じました。
「松本市立美術館」
松本市出身の草間彌生さんの作品を中心に展示している美術館です。草間さんというと華やかで明るいイメージでしたが、その裏では大変な苦悩と葛藤があったということを知りました。芸術のために命をかけて日々営んでいるということが作品を通して伝わってきました。
「アレッタ、聖護院大根」
野菜不足を解消しようと、普段食べないような野菜を食べてみました。アレッタはブロッコリーのモサモサ感のようなものがなく葉と茎の味を楽しめます。聖護院大根は、茹でて食べたら何もつけなくても甘みがあり美味しかったです。
